Em Virginia Woolf’s Night & Day, Camilla Borghesani mergulha em um universo literário delicado e cheio de camadas ao interpretar Cassandra Otway, personagem movida por curiosidade, leveza e imaginação. Em entrevista, a atriz fala sobre sua formação clássica, a passagem do teatro para o cinema e o fascínio por papéis que a desafiam a explorar territórios emocionais e psicológicos cada vez mais distantes de si mesma, em um momento de clara expansão internacional da carreira.
Sua formação clássica e sua trajetória entre Moscou, São Petersburgo e produções internacionais criaram um caminho muito singular. Como essa bagagem moldou a atriz que você é hoje?
Minha bagagem teve uma grande influência na atriz que sou hoje. Tive a sorte de trabalhar em uma variedade de projetos desde a minha formação clássica e de encontrar, ao longo do caminho, abordagens muito diferentes de atuação.
Sou bilíngue em inglês e russo, com pai americano e mãe russa, e estudei em uma escola internacional na Rússia, a Anglo-American School of Moscow. Esse contato precoce com diferentes culturas, depois reforçado por trabalhar em vários países e interpretar personagens em línguas estrangeiras, moldou tanto a pessoa quanto a atriz que sou. Isso me deu uma certa fluidez na forma como abordo o trabalho, mantendo-me aberta a diferentes métodos, pessoas e maneiras de me comunicar no set.
Quando me mudei para Los Angeles, estudei diferentes métodos de atuação, e grande parte deles me pareceu familiar à minha formação clássica, mesmo que o processo fosse completamente diferente. Isso reforçou em mim a sensação de que existem muitas maneiras de abordar o ofício, algo que também vem de ter crescido entre culturas.
Toda essa experiência me deu um verdadeiro discernimento na maneira como encaro meu trabalho, identificando rapidamente o que parece útil dependendo do projeto.
Virginia Woolf’s Night & Day a coloca dentro de um universo literário muito rico. O que mais te atraiu nesse projeto e em interpretar Cassandra Otway?
Fui imediatamente atraída pelo projeto porque sempre amei a escrita de Virginia Woolf. Fiquei especialmente interessada em Night & Day porque ele oferece um vislumbre do desenvolvimento mais inicial de Woolf como escritora, antes das obras pelas quais ela é mais amplamente conhecida. Há algo muito especial em ajudar a dar vida a essa parte do trabalho dela.
Cassandra me fascinou porque ela vivencia o mundo com tanta abertura e imaginação. Ela é livre, impulsiva e completamente absorvida por tudo aquilo que chama sua atenção, seja tocar flauta, criar bichos-da-seda ou seguir um novo interesse.
Fui atraída por essa combinação de espontaneidade e imprevisibilidade. À primeira vista, ela pode parecer excêntrica, mas há uma qualidade mutável nela que a torna difícil de definir, e fiquei empolgada com a oportunidade de explorar essas diferentes camadas.
Você falou sobre a leveza, a curiosidade e o senso de encantamento de Cassandra. Como foi encontrar o ritmo dessa personagem dentro de uma história que traz temas tão delicados e complexos?
O que me ajudou a encontrar o ritmo de Cassandra foi realmente não pensar demais nela. Ela reage de forma bastante impulsiva ao que está acontecendo ao seu redor, e tentei permanecer o mais próxima possível desse modo de reagir.
Trabalhar nela também teve um efeito em mim pessoalmente. Comecei a mudar algo na minha própria perspectiva, quase retornando a uma forma mais infantil de enxergar as coisas, tornando-me mais imaginativa e me encantando com momentos comuns do meu dia a dia que normalmente talvez passassem despercebidos.
Os figurinos também foram uma parte muito importante do processo. Nossa figurinista, Esther Waltz, colocou tanto pensamento e atenção em cada detalhe que isso realmente moldou a maneira como compreendi Cassandra fisicamente e me ajudou a me sentir mais conectada à personagem.
Trabalhar ao lado de nomes como Haley Bennett, Jack Whitehall, Timothy Spall e Jennifer Saunders certamente trouxe aprendizados importantes. O que mais te marcou nessa experiência de elenco?
O que mais me impressionou foi o quanto todos eram diferentes dos personagens que estavam interpretando e como conseguiam se mover com tanta naturalidade entre si mesmos e seus papéis. Entre uma tomada e outra, cada ator tinha seu próprio processo. Alguns ensaiavam silenciosamente, outros se concentravam de forma mais interior, cada um à sua maneira, e então, no momento em que a cena começava, se transformavam completamente.
Observar de perto esse nível de concentração e disciplina foi notável. Isso me lembrou que não existe uma única forma de se preparar ou de construir uma atuação. Cada ator desenvolve seu próprio caminho, e observar essas diferentes abordagens foi incrivelmente valioso.
Sua trajetória começou fortemente no teatro e agora vem se expandindo cada vez mais para o cinema. O que muda para você, como intérprete, ao transitar entre palco e câmera?
As diferenças mais óbvias envolvem voz e fisicalidade. No teatro, essas escolhas muitas vezes precisam alcançar toda a plateia, enquanto o cinema permite ajustes muito menores e mais íntimos. Mas, para além disso, a maior mudança para mim é aprender a abrir mão de uma certa dose de controle.
No teatro, a atriz carrega a performance do começo ao fim diante de um público ao vivo. No cinema, o seu trabalho passa a fazer parte de um processo muito maior, que envolve câmera, montagem e inúmeras decisões criativas que acontecem depois que você termina de filmar. Meu trabalho é me entregar completamente a cada tomada, sabendo que ela poderá ser usada de uma maneira que eu nunca esperei — ou talvez nem seja usada.
Às vezes penso nisso como a diferença entre criar uma escultura sozinha e se tornar parte de uma escultura moldada por muitas mãos. O teatro dá à atriz uma sensação maior de autoria, enquanto o cinema muitas vezes parece como se você estivesse sendo cuidadosamente esculpida dentro da história.
E, claro, existe o público. No teatro, a energia dele pode transformar uma performance de uma noite para a outra. Uma plateia responsiva oferece a todo o elenco mais cores com as quais brincar.
Você parece especialmente interessada em personagens cuja lógica emocional é muito diferente da sua. O que mais te desafia — e também te fascina — nesse tipo de papel?
Cada personagem exige uma abordagem diferente, e muitas vezes eu gosto tanto da preparação quanto da própria performance. O que me fascina é tentar compreender a lógica interna de uma pessoa, especialmente quando ela difere muito da minha.
O desafio está em descobrir de onde vêm os desejos dela e enraizar esses objetivos profundamente o bastante dentro de mim para que comecem a parecer naturais. O que faz essa pessoa se sentir viva? Que experiências a moldaram? Onde está o ponto de encontro entre a perspectiva dela e a minha?
Tento não intelectualizar demais o processo. Para mim, atuar sempre foi uma jornada muito intuitiva. As técnicas podem variar de projeto para projeto, mas, no fim, estou buscando uma forma de habitar genuinamente a realidade de outra pessoa.
Com projetos como The Trek, The Retreat, Breathe Deep e Virginia Woolf’s Night & Day, você está vivendo um momento de expansão internacional. Que tipos de histórias e papéis mais deseja explorar a seguir?
O que mais me entusiasma é que todos esses projetos são muito diferentes entre si. As personagens, os universos e até os gêneros variam enormemente, e eu adoraria continuar nessa trajetória.
Sou atraída por histórias que me desafiem a entrar em territórios emocionais e psicológicos desconhecidos. Seja em forma de drama de época, thriller psicológico ou algo completamente inesperado, o que mais me interessa são papéis que exijam transformação e ofereçam uma perspectiva que eu ainda não explorei. Quanto mais diferente de mim for a personagem, mais curiosidade eu sinto em compreendê-la.
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