Com Awaiting Evaluation chegando ao Edinburgh Fringe Festival, Alex Grech vive um momento marcante em uma trajetória que cruza teatro, cinema, escrita e trabalho físico de ação. Em entrevista, o ator, dramaturgo, diretor e coordenador de dublês fala sobre a longa evolução da peça desde sua origem na adolescência, o desejo de provocar reflexões sobre identidade, propósito e afeto, e a forma como sua vivência entre Austrália, Nova York e diferentes linguagens artísticas vem moldando um criador atraído por histórias inquietas, humanas e em constante transformação.
Awaiting Evaluation foi escrita por você em 2017 e agora segue para o Edinburgh Fringe Festival. Como é ver a peça ganhar uma nova vida em um momento tão importante da sua trajetória?
Eu diria que essa peça já tem vida própria há algum tempo. Tudo começou comigo e um dos meus melhores amigos no ensino médio montando nossa própria adaptação de Waiting for Godot no tempo livre, encontrando horários extras escondidos em um teatro black box para ensaiar material novo. Agora ela evoluiu para uma equipe internacional — uma verdadeira família por trás do projeto. É louco para mim o quanto Awaiting Evaluation já caminhou, e o quanto ainda tem para caminhar. Com uma equipe tão incrível, o projeto só continua se desenvolvendo — há muito mais ali do que parece à primeira vista. Acho que é por isso que sempre me vi voltando a ele ao longo desses anos mais formativos da minha vida: saindo do ensino médio, viajando, estudando na NYU e agora vivendo e trabalhando em Nova York. Essa peça cresceu e mudou comigo de tantas formas que, sinceramente, sinto que o real significado da jornada de Awaiting Evaluation — do black box de um internato regional na Austrália aos palcos e ao público do Edinburgh Fringe Festival — só vai realmente cair a ficha quando eu puder olhar para isso em retrospecto.
A peça acompanha dois jovens presos em um limbo administrativo enquanto lidam com questões de identidade, propósito e afeto. O que mais te interessava emocionalmente em explorar essa história?
Não sei se existe uma única coisa. Durante meu tempo em um internato na Austrália, tive dificuldade para encontrar um grupo com o qual sentisse que me encaixava naturalmente. Tenho certeza de que todo mundo vive alguma versão disso no fim da adolescência, mas eu sentia que tinha ultrapassado o microcosmo que a escola havia se tornado. Então, guiado talvez por um senso de maturidade ou de ego, comecei a trabalhar em uma versão de Waiting for Godot que expressasse algumas das frustrações universais vividas pelos meus colegas. Essa peça ficou comigo por anos enquanto eu viajava e estudava, abraçando o mundo maior que eu tanto desejava conhecer. Foram os oito anos vivendo minha vida e reunindo outras inspirações que realmente deram a Awaiting Evaluation a profundidade e a personalidade que ela tem hoje. Essa peça não é sobre eu processar minhas próprias questões de identidade, propósito e afeto, mas sim sobre incentivar o público a refletir sobre essas questões por si mesmo, em qualquer fase da vida em que esteja.
Você trabalha como ator, dramaturgo, diretor e também tem experiência com coordenação de dublês. Como essas diferentes áreas da sua carreira dialogam entre si no seu processo criativo?
Acho que minha experiência e formação como ator foram o que mais moldaram minha abordagem em outras áreas, como escrita, direção e, especialmente, coordenação de dublês. Comecei a me apresentar no palco com o Victorian Youth Theatre aos seis anos, e depois a ginástica e as artes marciais passaram a me acompanhar como hobbies durante a adolescência. Performance, escrita e treinamento físico, de uma forma ou de outra, permaneceram pilares constantes da minha vida. Uma parte essencial da minha abordagem pessoal ao trabalho com dublês, seja como performer ou coordenador, é o mesmo princípio que sigo quando colaboro como ator ou diretor. O desconforto é esperado; o perigo é inaceitável. A vida de qualquer artista exige adaptabilidade, e é imensamente difícil ser adaptável sem certo grau de conforto com o desconforto. No trabalho com dublês, essa linha entre desconforto e perigo é menos pessoal; é mais fácil de quantificar, identificar e prevenir. No universo da direção e da atuação, isso exige comunicação mútua, respeito e confiança ao longo de todo o processo. Mas, ao compreender diferentes perspectivas, aprendi a negociar concessões e entregar resultados consistentes que satisfaçam elenco, equipe e público.
Sua trajetória inclui uma grande mudança da Austrália para Nova York, além da sua formação na NYU. Como essa jornada internacional moldou sua forma de pensar a arte e a narrativa?
Eu diria que me mudar para Nova York e passar um tempo na NYU Tisch abriu esse oceano vasto de oportunidades — não apenas para educação e trabalho, mas também para colaboração e descoberta. Eu amo a Austrália, e a Great Ocean Road sempre será meu lugar favorito na Terra, mas para a vida e a carreira que estou buscando, não existe lugar melhor.
Em Juliet & Romeo, você interpretou Tommaso e também passou por um treinamento físico e de dublês bastante intenso. Como essa preparação influenciou sua confiança como intérprete?
Sinceramente, entrei nesse processo com bastante confiança na minha capacidade. Eu estava bem informado sobre o tipo de fisicalidade e trabalho de dublês que queriam para Tomasso e para os outros meninos Montéquio e, depois de conversar com o diretor e também com o coordenador de dublês, eu sabia que era mais do que possível. A equipe de produção aparentemente concordava, então, quando o nosso Romeu, interpretado por Jamie Ward, quebrou o tornozelo durante o treinamento de dublês na pré-produção, me pediram para trabalhar com Jamie como dublê de Romeu. Foi uma oportunidade única de estudar a atuação do Jamie e carregar fisicamente o Romeu dele para a coreografia. Os dias em que eu ficava alternando entre filmar cenas de diálogo e cenas de ação como Tomasso, e depois fazer o dublê de Romeu nas sequências de ação, certamente foram um pouco caóticos em alguns momentos. Posso te garantir isso!
Além da performance, você também está profundamente envolvido com causas como saúde mental, preservação ambiental e apoio a jovens artistas. Como esses compromissos moldam o tipo de arte que você quer fazer?
Bom, as conversas sobre saúde mental e apoio a jovens artistas fazem muito parte de Awaiting Evaluation — não apenas no conteúdo, mas também no espírito e nas aspirações do projeto. Como alguém que lutou ao longo da vida com suas próprias batalhas de saúde mental, sei que certamente houve momentos em que eu gostaria que um amigo, um familiar ou até eu mesmo tivesse tentado agir mais com curiosidade do que com julgamento.
Olhando para este momento da sua carreira, entre teatro, cinema e tantos outros interesses criativos, que tipo de histórias você sente que mais quer contar a seguir?
Tenho algumas coisas surgindo depois que Awaiting Evaluation ganhar impulso suficiente. Minha parceira de produção, Jo Berenson, e eu estamos atualmente focados em levar o melhor espetáculo possível ao Fringe. E, embora o Fringe esteja longe de ser o fim da estrada para Awaiting Evaluation, você certamente pode esperar mais histórias ecléticas explorando esse impulso aparentemente inato que temos de formar e atribuir identidade.
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